佐々木成美

・/♯

La la la la la la la la la la..........
Do do do do do...
Ah ah ah..

 

2019年10月4日(金)- 11月2日(土)

[オープニングレセプション]
10月5日(土)18:00 ‒

[火 ‒ 土]11:00 ‒ 19:00
[日・月・祝]休廊

画家・佐々木成美による個展「・/♯ La la la la la la la la la la.......... Do do do do do... Ah ah ah..」 を開催いたします。本展は、昨年春に美術大学院を修了して以降の彼女の初個展となります。

佐々木の近作では、キャンヴァスと油彩を主たるメディウムとしつつも、その上に鉱物や木材、自身で作っ た陶器やガラス、あるいは別のキャンヴァスの断片を組み合わせるという即興的かつ多彩なコラージュ的手法が頻繁に用いられています。植物を想起させるモティーフや明るい色彩は、自然の内包する生命力や神秘をユーモラスに示しているように観える一方、限定的な理性的解釈をすり抜けるかのように、はっきりとは判別できない抽象的な造形で画布上に定着しています。

さまざまなスタイルの変遷を経て現在の表現方法に至った佐々木ですが、その過程では一貫して、人間が抱く「何かを描く」という根本的な衝動、その衝動が目指す形而上的な世界、そしてそれらの中間地点に立ち現れる存在としての絵画、という3つの関係を見据えながら、より自らの実感に即した手法を探ってきました。

たとえば佐々木がヨーロッパでの留学とリサーチでよく目にした宗教美術においては、神の像そのものを描かなかったとしても、「無心に手を動かして幾何学模様を描く」というシンプルな行為が信仰に近い性質を持ち、神性に触れるための手立てであったかもしれません。そうした「祈り」と近接した「描く」行為、 つまり原始から現代まで連なる「描く」衝動の表出に、彼女は自身の制作にも通底するものを感じています。近現代のファインアートのみならず、こうした古今東西のさまざまな視覚芸術からの影響が佐々木の作品には窺えます。

そしてそのような一種の霊的なエネルギーを具現化するにあたり、平面作品である絵画が持つ「正面からの鑑賞のみを想定している(=立体作品とは異なり“裏側”を覗くことはできない)」という特性や、油絵具の「下層が透けて見える」という物理的性質は、佐々木にとって複数の世界のレイヤーを象徴する、自らの制作に欠かせない機能となっています。異種素材が有機的に交わる彼女の作品には、絵画という空間で多様なマテリアルと対話し、それらを混淆させることで、キャンヴァスの向こう側にある形而上的な領域との接触を試みようとする営為を観ることができるでしょう。

今回の展覧会は、近年の彼女の制作ではあまり観られなかった大型作品を含む最新作品群と、過去作から選び抜かれたピースで構成されます。絵画を巡るプリミティヴな命題を追求しながら未知の造形に挑む佐々木の、本格的なデビューを多くの方に目撃していただければ幸いです。

木村彩子「部屋の中 部屋の外」

2019年9月3日(火)- 9月28日(土)

[オープニングレセプション]
9月6日(金)18:00 ‒

[火 ‒ 土]11:00 ‒ 19:00
[日・月・祝]休廊

画家・木村彩子による個展「部屋の中 部屋の外」を開催いたします。展覧会での作品発表のみならず、新聞や書籍の装画も手がけるなど幅広い領域で活動を展開している木村ですが、LOKO GALLERYでの個展は今回が初となります。

木村は一貫して、植物を中心とする身近な自然環境を絵画のモティーフとして扱ってきました。その作品の多くは、綿布の上にアクリル絵具や数種類のメディウムを用いて複層的な下地を構築し、蜜蝋を混ぜた油絵具で透明感に溢れる植物の姿を描写していくことによって生み出されています。また多くの場合、描画の際には自身で撮影した植物の写真が参照されてきました。独自の質感を持った画肌の上で鮮やかな色彩や線描が動的な生命力を放つ一方で、写真由来の静的な瞬間性もが同居する画面は、彼女の代名詞といえるでしょう。

その一方で、木村はその制作手法を少しずつ変化させてもきました。本展の出品作には、写真をベースにした従来のシリーズの他に、屋外に身を置き周囲の自然環境を描き上げた作品や、室内から窓外の風景を観て描いた作品などが含まれています。こうしたいくつかの新たな試みは、制作に新展開をもたらすために捻出されたというよりは、昨年彼女が転居した佐賀県の豊かな自然や、新しい居住環境によって自ずと発生してきたものです。そうして生み出された絵画たちは、これまでの木村作品に通底する気配を纏いつつも、これまでには見られなかった絵画表現を宿してもいます。

異なる制作過程を経て仕上げられ、異なる表情を持つに至った諸作品を並置すると、草花や日常風景といった共通のモティーフを扱いつつも、画家の視線や意識の位相に明確な変化が起こっていることが見てとれます。そこからは単なる鮮やかさや生命力といった言葉では把捉しきれない、不定形な自然の息吹と、それとシンクロする作家の鼓動が多角的に現れてくるかのようです。木村の画中に現れるそれらの差異や変化はとても自然的であり、環境によって生態を変え繁茂していく植物のように、彼女の絵画もまた流動的かつ自生的な体系を有しているといえるかもしれません。

外界と呼応しながら自身の絵画表現を探求し続ける木村彩子の、最新作品群をお楽しみいただければ幸いです。

渡辺佑基「ねじれの回廊」

2019年7月12日(金)− 8月10日(土)

[オープニングレセプション]
7月12日(金)18:00 ‒

[火 ‒ 土]11:00 ‒ 19:00
[日・月・祝] 休廊

画家・渡辺佑基による個展「ねじれの回廊」を開催いたします。LOKO GALLERYにおける渡辺の展示は昨年夏のグループ展以来2度目。また本展は彼自身にとって初の本格的な個展となります。

現在美術大学院の博士課程に在籍する渡辺は、一貫して日用品や玩具、人体の一部といった身近なモチーフを絵画上で再構成することに取り組んできました。彼の制作の中で、さまざまな物体はその表面の質感を注視され 、写実的に描写されていきます。しかし同時にモチーフの形状に合わせたシェイプド・キャンヴァスを用いるなどの手法によって、それらは絵画上でしか有り得ない位相で成立させられてもいます。

たとえば階段を昇る裸婦を描いた作品において、絵の上辺は人体というモチーフを外部からトリミングする、いわば「窓枠」としての機能を持っています。一方でシェイプド加工が施された下辺は、足の裏が接触する「地面」として機能し、モチーフと次元を共有しているともいえます。渡辺作品におけるキーワードの1つは、絵画のフレームに発生するこのような種々の “ねじれ” への関心です。

こうした発想と手法に基づき、現実の感触を想起させつつ、平面でも立体でもない亜空間へ私たちの感覚を接続させることは、彼の根源的なテーマだといえるでしょう。渡辺が配置していくフレームは絵画空間を保持する外殻であると同時に、私たちの意識の枠組みを相対化する流動的な装置のようでもあります。

最新作品群を中心に、彼の丹念な絵画世界の入り口をお楽しみいただければ幸いです。

加茂昂
境界線を吹き抜ける風

2019年4月26日(金)- 6月1日(土)

[オープニングレセプション]
4月26日(金)18:00 ‒

[火 ‒ 土]11:00 ‒ 19:00

[日・月]休廊
*4月30日(火・祝)‒ 5月4日(土・祝)は開廊

画家・加茂昂による個展「境界線を吹き抜ける風」を開催いたします。

加茂は3.11の東日本大震災以降、“「絵画」と「生き延びる」ことを同義に捉え”ながら制作に取り組んできました。近年の彼は、広島の原爆、熊本の水俣病事件、そして福島の原発といった20世紀以降の日本が抱えてきた甚大な災禍を、現地でのリサーチや滞在制作とともに作品テー マの1つとしています。被爆者自身の筆による原爆体験の絵を模写すること、あるいは水俣病の被害者が懊悩の末に到達した“祈り”の境地に触れたことなどを通じ、加茂は1人の人間として、また画家として、そうした果てのないテーマに挑んできました。

ここ数年の加茂の活動を辿ると、“追体験”あるいは“共感”といった言葉が浮かび上がってきます。同じ国の中で起こった出来事でありながら、ともすると我々が「当事者」であることから目を逸らしてしまいかねないこれらの事象とどのように向き合うべきか? それは一個人が明確な解を導き出せるような命題ではないかもしれません。しかし加茂は、それらの被害者との直接の関わりの中で、自らが経験 / 考察してきた 時間を絵具というメディアに変え、絵画上に堆積させることでその問いと格闘し続けています。そのような時間の経過のなか、加茂の思考の変遷と同様に、彼の絵画におけるモティーフや描法もまた、静かな、しかし確かな変化を遂げてきました。

彼は本展の主題に「境界線」そして「風」という言葉を据えています。今回メインとなる作品群に描かれたフェンス(=「境界線」)は、福島の帰還困難地域において立入禁止エリアを示すために設置されているものです。このフェンスは加茂が福島在住の友人の一時帰宅に同行した際に目にし、これまでにもたびたび描いてきたものですが、今回はそこに“風”という新しい要素が加わります。格子状のフェンスをいともたやすく吹き抜け、“こちら側”と“むこう側”を行き来する風は、「隔離された」エリアといま私たちが暮らす領域の間に実は何の隔たりもないこと、つまりは私たちの誰もが等しく「福島以後」の世界を背負っていることを示しているのかもしれません。

風という存在が内包するこのような象徴性について加茂は、詩人・谷川雁氏の「すべての物質は化石であり、その昔は一度きりの昔ではない。いきものとは息をつくるもの、風をつくるものだ。太古からいきもののつくった風をすべて集めている図書館が地球をとりまく大気だ。風 がすっぽり体をつつむ時、それは古い物語が吹いてきたのだと思えばいい。風こそは信じがたいほどやわらかい、真の化石なのだ」(筑摩書房『ものがたり交響』より)という言葉を引用しながら語っています。

社会が抱える問題とその中に存在する個人、双方に目を向けながら実直な制作と問いに挑み続ける加茂昂の、現在地点と最新作品群を多くの方にご覧いただければ幸いです。

、譚 近藤恵介・古川日出男

2019年3月22日(金)- 4月21日(日)

[公開制作]
3月23日(土)16:30 ‒
[オープニングレセプション]
3月23日(土)18:00 ‒

[火 ‒ 土]11:00 ‒ 19:00
[日・月]休廊

*4/21は、11:00 − 12:00 および「画廊劇」終演後(19:00頃−20:00頃)のみオープン

*3月30日(土)と4月21日(日)に画廊劇「焚書都市譚」を開催いたします。詳細情報は下記をご確認ください。

画家・近藤恵介と小説家・古川日出男による2人展「、譚」(読み:てんたん)を開催します。これまで様々な形で活動を共にしてきた両者ですが、展覧会の開催はおよそ2年半ぶり、今回で4度目となります。

過去に2人が行ってきた制作の多くでは、古川が文字の、近藤が絵画の要素をそれぞれ担当。時に即興的なセッションを交えながら、両者の間を紙が往復し、作品が生まれてきました。本展はそうして積み重ねられてきた制作や展覧会の延長線上にありつつ、より多元的に発展していきます。

まずギャラリーの一部には、作家自らが歴代作品群の中から何点かを選び、回顧展的な構成を施します。これまで近藤と古川は各展覧会ごとにまとまった数の作品を制作していますが、それらは各シリーズごとに固有の、濃厚なコンテクストを纏ってきました。今回の展覧会では歴代作品を元来の文脈から切り離し併置することによって、それらが持つ単体の絵画としての強度を浮かび上がらせ、新たな側面をみせることを目指します。加えて本展のた めに作られる新作では、近藤が自身の制作の関心事とする屏風や襖といった建具や、江戸初期によく描かれたとされる、室内空間を扱った「誰が袖図」という画題を参照。絵画でありながら家具としての機能をも持つこの新作は、展示空間を複数に区分けすると同時に、絵の内と外を結ぶようなインスタレーションを構成します。展覧会2日目には近藤と古川による公開制作も行われますが、作家の部屋=アトリエでありながら過去と現在を展覧する場でもあり、また会場全体を1枚の絵画とするかのような多義的な空間が発生するでしょう。

一方、古川は3月6日発売の文芸誌『すばる』(集英社)で新作中編小説「焚書都市譚」を発表予定。この小説は2016年の展覧会「ダンダンダン。タンタンタン。」において発表された同名の絵画4点に端を発するものです。古川はこの小説をベースに、“画廊劇” と称する演劇 / パフォーマンスを演出し、会期中に2日間にわたり上演します。公演には古川と近藤に加え、北村恵(俳優 / from ワワフラミンゴ)と河合宏樹(映像作家)の両氏、およびギャラリースタッフも参加。地下1階から地上2階までの複数空間をフルに使ったダイナミックなパフォーマンスが展開される予定です。公開制作、パフォーマンス、そして多層的な展示空間が重なり合うことで、およそ1ヶ月の会期中に展覧会は刻々と変化を遂げていきます。流動するギャラリーの様相は、展覧会タイトル「、譚」の「、」、すなわち継続や変転を象徴する読点が示すものの1つです。小説家デビュー20周年でもあった今年度、古川は執筆に留まらない様々な活動を精力的に重ねてきましたが、今回の展覧会とパフォーマンスは、その記念イヤーを締めくくるに相応しいスリリングなものとなりそうです。

2011年の「絵東方恐怖譚(え・とうほうきょうふたん)」、2012年の「覆東方恐怖譚(ふく・とうほうきょうふたん)」、そして2016年の「ダンダンダン。タンタンタン。」に続く今回の「、譚」。これまでで最も予測不可能な変容を遂げていくであろう前代未聞の展覧会を、ぜひ目撃してください。

 

 

画廊劇「焚書都市譚」 公演情報

▼3月30日(土)画廊劇「焚書都市譚(三月版)」Thank You Sold Out !

16:40 ギャラリー1Fにて受付開始
16:50 開場
17:00 開演

 

▼4月21日(日)画廊劇「焚書都市譚(四月版)」Thank You Sold Out !

17:10 ギャラリー1Fにて受付開始
17:20 開場
17:30 開演

12名さま限定で追加予約を受付中です。
ご好評につきキャンセル待ちのお問い合わせを多数いただいたことから、緊急増席が決定いたしました。(4/4更新)

追加分も含め、予約完売いたしました。

キャンセル待ち予約を承っております。(4/9更新)

 

[出演]
古川日出男(小説家)、近藤恵介(画家)、北村恵(俳優 / from ワワフラミンゴ)、 河合宏樹(映像作家)、宮下和秀(ギャラリスト / from LOKO GALLERY, MUG)、 田中耕太郎(ギャラリスト, 音楽担当 / from LOKO GALLERY, しゃしくえ)

各回50名限定 入場料:2600円(1ドリンク付き)

*ドリンクは、ギャラリー併設のカフェ・私立珈琲小学校による「焚書都市譚」特別限定ブレンドコーヒー2種(ブラック / ラテ)、もしくは数種類のソフトドリンクの中からお選びいただけます。

ご予約・お問い合わせは メール (tentan [at] lokogallery.com)または 電話(03-6455-1376)にて受付中です。
予約希望の方は、お名前・人数・ご連絡先をお知らせください。

 

▼4月21日(日)画廊劇「焚書都市譚(四月β版)」New!

 

13:40 ギャラリー1Fにて受付開始
13:50 開場
14:00 開演

50名限定 入場料:2000円(1ドリンク付き)


好評につき、最終日のゲネプロ(リハーサル)を特別料金にて公開いたします。
このβ版は、本番公演とは一部異なるヴァージョンの演出で上演されます。
既に本番公演をご予約いただいているお客様につきましては、夜の公演(四月版)とこの公開リハーサルの両方を予約することも可能です。
夜から昼への予約の振替えも受け付けております。

なお、四月β版の開催決定に際し、古川日出男氏からは以下のメッセージが届いております。

「諸般の都合上、本番とはエンディングの演出が異なりますが、別展開を用意いたします。」

 

ご予約・お問い合わせは メール (tentan@lokogallery.com)または 電話(03-6455-1376)にて受付中です。
予約希望の方は、お名前・人数・ご連絡先をお知らせください。

 

 

古川さんとの4度目の展覧会は——

愚直な合作を2011年に始めてから、画面を挟んでの対話を繰り返してきた。少しずつ方法も見出してきたし、お互いの共通言語もできたように思う。そのひとつの集大成が2016年にLOKOギャラリーで開催した展覧会「ダンダンダン。タンタンタン。」だろう。ダンダンダン!と絵と文字を積み上げた。絵が屋根、壁、床で、それを文字が柱となって支えることで、あの大きな建物のような作品は建った。お互いの絵と小説を背景に据えながら、これまでの方法論を最大化して基礎とした作品であり、あの真新しい天井高のあるギャラリー空間を覆った。日光がよく入る展示室にタンタンタンと足音が響いた。

今度はどうだろう。振り返ると、これまでにつくってきた沢山の作品がある。「振り返る」というと人生がリニアであるように思えるが、まさにそのような作品をつくってきたともいえる。というのも、最初に古川さんと2人で共作をしたのが雑誌の誌面上で、それはページを繰りながらみる/読むことが前提としてあったし、そのことを強く意識して天平時代の絵巻物《絵因果経》の形式を引用した。ただ、簡単に一直線に読めないように、視線がつまずくような段差の多いデコボコした誌面ではあったが——。

そのことが出発点としてあるので、それからこっち、知らぬうちに直線的に歩んできたのではないか。そういえば、冒頭に書いた「ダンダンダン。タンタンタン。」展のときだって、直線的に作品を積み上げた。部分であるそれぞれの絵も直線が多用されていることに今になって気がつく。線を引くような数年間。

去年の12月1日に古川さんの舞台上でのパフォーマンスをみた。前半の自著の朗読にぼくは相当に揺れた、いや、文字が揺れていた。
朗読は、ガラスの大皿で本を下敷きにした状態で始まった。その後、皿に水が注がれた。水とガラスを通して文字は読まれ、声となって耳に届いた。安定しない本に乗る皿は揺れ、それに連動して水面は波打ち、文字は揺れた。声は——当然揺れたし、読み間違うので途切れた。自分の書いた文字列を湾曲させ、揺らし、それを読み、声に出すことで、空間を揺るがした。繰り返しになるが、ぼくも揺れて、ひっくり返った——比喩でなく。しばらく後に、万年筆のインクが数滴垂らされて、水と空間がきれいな淡いブルーに染まる。

——そういうものになる。

2019.1.23 近藤恵介

 

 

展覧会の予告映像がYouTubeにて公開されています。
映像の制作は画廊劇の出演者でもある河合宏樹さんです。

(2019.2.23)

ハンス・アンダーソン
個展

2019年2月8日(金)‒ 3月9日(土)

[火 ‒ 土] 11:00 ‒ 19:00
[日・月・祝] 休廊

 

[オープニングレセプション]
2月8日(金)18:00 ‒

[アーティストトーク]
2月8日(金)19:00 ‒

 

LOKO GALLERY はスウェーデンのアーティスト ハンス・アンダーソンの日本初個展を開催します。

アンダーソンは長年にわたり、ファウンドオブジェクトを主な素材として抽象の平面や立体作品を制作してきました。路上に棄てられた紙袋やプラスチック、金属屑、古い写真アルバムなど、作家は固有の意味や歴史を内在したオブジェクトに長い時間をかけて手仕事を施すことで新たな時間軸を与え、作品として昇華させます。注意深く構成されたコラージュや繊細なドローイングからは作家の制作のプロセスをうかがうことができますが、それは論理的に組み立てられたものではなくあくまで直感的で、作家の行為そのものと密接に関係しています。 アンダーソンの制作は自発的であると同時に受動的です。あえて明確なプランを持たずに素材に向かい、作品や制作環境とともに作家自身も変化していきます。予断や意味的な解釈を排除し、まずは状況を純粋に経験することに重きを置く彼の制作方法はまるで瞑想のようでもあり、作品は作家による精神の旅の記録といえるかもしれません。

禅の思想や西田幾多郎の哲学、もの派の活動に影響を受けたと語る作家は 2017 年の数ヶ月間、日本に滞在しています。本展では、日本滞在を経て新たな視座を得た作家が制作した4メートルに及ぶ巨大な紙のコラージュ作品を中心に、金属や皮革を用いた立体作品も併せて展示いたします。 彼の作品、そして本展を含むこれまでの全ての個展にタイトルはありません。そこには、鑑賞者が言葉とそれに伴う意味から離れ、言語を超えた領域で作品を知覚し、解釈することを促す作家の意図がこめられているのです。

 

マルシア・カヴァルカンテは Lovtal till intet (Eulogy to Nothingness/ 無への讃歌 ) の中で、理解の過程そのものにおいて、解釈の真の価値が模索されねばならず、そのような発見の瞬間が焦点だと書いています。私にとっ て芸術を創造することは、理解の過程の一部になろうとすることです。それは今この瞬間に起る体験で、そこで は常に何かに初めて出会うことが可能です。それは脱創造の一形式で、世界をとらえた過去の経験とは関係を絶とうとすることです。これはそれらの経験を拒否するのではなく、ただ自分の一部ではないと考えることなのです。
- ハンス・アンダーソン

 

ハンス・アンダーソン
1979 年 スウェーデン, カルマル生まれ. ストックホルム在住. 2005 年 コンストファック美術大学( ストックホルム) 卒業. Helge Ax: son Johnson Foundation や Arts Grants Committee working grant, など、これまで様々な賞や助成を得ており, 2017 年には AIT(アーツイニシアチブトウキョウ) のレジデンスプログラムで3ヶ月間日本に滞在した. 「Swedish Art Now」(スベン・ハリー美術館、ストックホルム、2016),「If you don't like art..」(ヴェストフォシン美術館, ノルウェー ,2017)、個展(王立美術アカデミー , ストックホルム,2018 ) など多数の展覧会に参加し、作品は マルモ美術館(スウェーデン) and the Swedish Association for Art, National Art Council, Sweden, フェンバーガーハウス(長野, 日本) など多くのコレクションに収蔵されている.